Grundläggande riktlinjer för koreografi för ballett

När du bestämmer dig för att koreografera dina egna ballettdanser, har du fullständig yttrandefrihet för din koreografi. Och det är som det borde vara. Men artister av alla slag har funnit att de trivs bäst när de frivilligt lägger på vissa begränsningar. Serien av ballettgester, till exempel, är en "begränsning" som på något sätt sätter fantasierna hos de stora ballettkoreograferna fri.

Idéerna i de följande avsnitten, utdragna från århundraden av stor koreografi, ger dig en ram för din frihet, ett fordon för din egen konstnärliga vision. Alla former av uttryck är giltiga - men dessa idéer kan hjälpa dig att komma igång med framgång.

Hitta din inspiration - musik eller tema

Vad gör en koreograf vill skapa en viss dans i första hand? De flesta koreograferna säger att de vanligtvis är inspirerade av en av två saker: musiken eller temat.

När du hör ett visst stycke musik, sveps du bort i en extatisk stormvind? Anger färger och former och rörelser omedelbart för dig? Förloras du i tid och rum? Om så är fallet, vet vi en bra läkare som kan hjälpa till. Men då misslyckas det som en bra kandidat för koreografi.

Om det finns en grundläggande regel för koreografi är det här: Gesterna bör på något sätt återspegla musiken. Vad som skiljer de framgångsrika koreograferna från varandra är att deras gester belyser musiken vackert, som om varje musikalisk fras hade skrivits bara för dem.

Ett exempel som de flesta kan visualisera är dansen från Sugar Plum Fairy från Nötknäpparen . När celesta börjar spela sina tinklytoner, dansar ballerina skarpa, känsliga små steg, som verkar flita över scenen. Även om olika koreografer kan ha satt olika steg till den här musiken genom åren har nästan alla försökt att skapa något lämpligt delikat.

Du kanske vill veta att i den professionella världen är varje minut av dans på scenen resultatet av ungefär två timmars koreografi och repetition. Men hej, låt inte det stoppa dig.

En annan form av inspiration är behovet av att berätta en historia. Berättelse är en av våra äldsta tidsfördriv, och dans har alltid varit till nytta för det ändamålet. Räcker en viss historia till dig, bara behöver uttryckas på något sätt? Varför då inte grunden för en dans?

När du berättar om en historia i dans, bestämmer du först om du vill skapa en enkel berättelse från början till slut eller något mer komplext.

Tala om att ditt tema är historien om Hansel och Gretel. Tänk bara på alla sätt du kan berätta för den historien. Du kan välja det linjära tillvägagångssättet, vilket visar att Hansel och Gretel vandrar genom skogen, släpper brödsmulor, går vilse, händer på ett godishus och blir uppslukt. Eller du kan börja i slutet av historien, med barnen som hoppar andfådd på scenen för att berätta vad de just upplevt.

Eller din dans kan helt enkelt fokusera på karaktär på en punkt i en historia. Hur känner den onda häxan när barnen baka henne levande? Kanske kan hon göra en tolkningsdans för att låta oss veta. Detta uttryck av en omedelbar tid, telescoped ut för att visa den emotionella vikten den innehåller, är grunden för 99 procent av alla dikter, operatiska arier och populära sånger - och det fungerar också för dans.

Att veta hur du vill att koreografin ska se ut

Stora koreografer talar nästan alltid om sin "vision" av sitt arbete. Koreografer är stolta över sina visioner och kommer att berätta om dem tills du ber dem att sluta.

Koreografer skapar helt enkelt en bild av dansen i sina tankar innan de angriper choreografins nitty-gritty. Oavsett om de tänker på de faktiska stegen först eller inte, kan de föreställa sig det övergripande utseendet på stycket. Därifrån kan de börja välja de steg som bäst passar den visionen.

Visionen kan innehålla kostymer, uppsättningar och belysningsdesigner - även i den professionella världen, anställs speciella designers för att krossa detaljerna i denna del av visionen.

Arbeta från denna inre vision skriver koreograferna sedan ner sina idéer med dansnotation - eller helt enkelt dansa själva på videoband.

Utveckla en vokabulär för dansen

Samma grundläggande steg kan dansas på många olika sätt. Så när du choreograferar en bit har du ett nästan oändligt antal steg att välja mellan. Dansens vokabulär hänvisar till de speciella gester och rörelser som du väljer för att använda - de som tycks återspegla din egen karaktär och utgöra din personliga stil.

Den ordning du lägger stegen i är också viktig. Stegen ska tyckas strömma från en till en annan. Till exempel ser en arabesque bra ut när en failli följs. Men det ser dåligt ut följt av en backflip. Du känner bara dessa saker.

När du börjar experimentera med olika sekvenser, kommer du sannolikt att hitta några som känns precis rätt för dig. När det händer kan du repetera de här sekvenserna om och om igen och därigenom skapa ett ordförråd som du kan ringa din egen. George Balanchine var till exempel känd för att följa en sauté i arabesque med en jeté. Det var hans varumärke - precis som Bob Fosse gjorde ett namn för sig själv med bowlarhattar och invändiga ben (även känt som duvor - tänk Cabaret ).

Använd ditt fulla dansutrymme

Här är en annan användbar regel för koreografering av ditt eget arbete: Använd hela mängden utrymme som är tillgängligt.Vid slutet av dansen borde varje område av scenen ha gått på minst en gång.

Du bör även överväga att använda icke-traditionella områden - där du aldrig skulle tänka på att dansa. Trappor, hallar, räcken och andra nivåer av golv kommer i åtanke. (Eller pölar - som Gene Kelly upptäckte i Singin i regnet.) Det oväntade är ofta där mest inspiration ligger.

När du täcker ditt utrymme, föreslår vi att du ändrar formen på din dans. Om du börjar med ett drag på en diagonal försök sedan lägga till ett cirkulärt mönster senare. Eller tvärtom. Sträck din fantasi - och behåll din publik på tårna.

Avsluta dansen när du började

Ett sätt att göra en dans känner sig konstnärligt hel är att "komma i full cirkel. "Och ett sätt att uppnå detta är att starta och avsluta dansen med samma ståndpunkt.

En ännu mer avancerad version av denna teknik är att sluta i en lite "utvecklad" version av startpositionen. Om dansen till exempel är en duett, överväga att byta delarna i slutet, så att kvinnan hamnar som mannen började och vice versa.

Denna teknik ger dansen en känsla av färdighet, och det kan ibland vara ganska gripande och rörlig. Vem vet - du kan få din publik i tårar. På ett bra sätt.